Dlaczego Polska jest ziemią kompozytorów
Osobliwość polskiego pejzażu muzycznego wynika z paradoksalnego równania: kraj, którego historię polityczną naznaczyło sto dwadzieścia trzy lata wymazania z mapy (1795-1918), dwie wojny światowe i czterdzieści pięć lat komunizmu, a mimo to twórczość muzyczna nigdy nie ustała. W czasach zaborów muzyka służyła nawet jako azyl tożsamościowy: właśnie wtedy mazurek i polonez stały się, pod piórem Chopina, narodowymi emblematami słyszalnymi w całej Europie. Później Polska Ludowa, paradoksalnie, dała schronienie jednej z najswobodniejszych awangard w bloku wschodnim, z międzynarodowym festiwalem (Warszawska Jesień, założona w 1956 roku), który od lat sześćdziesiątych gościł największych twórców Zachodu.
Do tej gęstości przyczynia się także polska tradycja pedagogiczna. Konserwatoria w Warszawie, Krakowie, Katowicach i Poznaniu wykształciły całe pokolenia instrumentalistów, dyrygentów i kompozytorów. Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Fryderyka Chopina w Warszawie, założony w 1927 roku, pozostaje jednym z najbardziej prestiżowych na świecie i wypromował Maurizia Polliniego, Krystiana Zimermana, Marthę Argerich, a niedawno Bruce’a Liu (zwycięzca z 2021 roku). Ta infrastruktura kulturalna, wspierana przez państwo, w dużej mierze wyjaśnia ciągłość szkoły muzycznej, która przetrwała wszystkie reżimy.
Fryderyk Chopin (1810-1849): muzyczna dusza narodu
Żadne polskie nazwisko nie jest powszechniej znane niż nazwisko Fryderyka Chopina. Urodzony w Żelazowej Woli, około pięćdziesięciu kilometrów od Warszawy, jako syn Francuza i Polki, opuścił rodzinną ziemię w 1830 roku, w wieku dwudziestu lat, by już nigdy do niej nie wrócić. Osiadłszy w Paryżu od 1831 roku (w roku, w którym wojska rosyjskie zdławiły powstanie listopadowe), skomponował tam większość swojego dorobku, poświęconego wyłącznie fortepianowi, z nielicznymi wyjątkami (dwa koncerty, trio, sonata na wiolonczelę).
Wyjątkowość Chopina polega na tym, że wyniósł do rangi sztuki wysokiej polskie formy ludowe, mazurka i poloneza, przekształcając je w intymną opowieść lub heroiczną proklamację. Dwadzieścia cztery Preludia, cztery Ballady, cztery Scherza, Etiudy op. 10 i op. 25, Nokturny: tyle cykli, które stały się codziennym chlebem pianistów całego świata. W Paryżu jego pamięć trwa aż w letnich koncertach w Ogrodzie Luksemburskim, które Société Chopin à Paris organizuje w każdą niedzielę od maja do lipca od ponad pięćdziesięciu lat.
Serce kompozytora, przewiezione do Warszawy zgodnie z jego wolą, spoczywa w filarze kościoła Świętego Krzyża, jednego z najważniejszych miejsc pielgrzymek chopinistów. Jego ciało natomiast pochowano na cmentarzu Père-Lachaise. To podwójne miejsce spoczynku symbolizuje podwójną przynależność Chopina, zarazem polskiej ikony i paryskiej postaci romantyzmu.
Od romantyzmu do polskiej szkoły narodowej
Trzy postaci XIX wieku dopełniają panoramę polskiego romantyzmu, nie dorównując jednak sławą Chopinowi. Stanisław Moniuszko (1819-1872) uchodzi za ojca polskiej opery narodowej. Jego arcydzieło, Halka, wystawione w Wilnie w 1848 roku, a następnie w wersji ostatecznej w Warszawie w 1858 roku, opowiada tragiczny los wieśniaczki uwiedzionej przez szlachcica. Opera ta pozostaje dziś filarem polskiego repertuaru operowego i co sezon trafia na afisz Teatru Wielkiego w Warszawie.
Henryk Wieniawski (1835-1880), urodzony w Lublinie, był jednym z największych skrzypków wirtuozów swojego stulecia, porównywanym przez współczesnych do Paganiniego. Płodny kompozytor, pozostawił dwa koncerty skrzypcowe (Drugi, d-moll, pozostaje w repertuarze wielkich solistów), Polonezy koncertowe i technicznie przerażające Kaprysy. Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. Henryka Wieniawskiego, założony w Poznaniu w 1935 roku, podtrzymuje jego dziedzictwo i należy do najbardziej wymagających konkursów skrzypcowych na świecie.
Karol Kurpiński (1785-1857) zamyka tę romantyczną triadę. Dyrygent Teatru Wielkiego w Warszawie, autor około trzydziestu oper i muzyki sakralnej, był jednym z pierwszych, którzy wprowadzili polskie elementy folklorystyczne do muzyki wysokiej, torując drogę Chopinowi i Moniuszce.
Ignacy Jan Paderewski (1860-1941): pianista, kompozytor, mąż stanu
Ignacy Jan Paderewski zajmuje w dziejach Polski miejsce wyjątkowe. Wirtuoz fortepianu uwielbiany po obu stronach Atlantyku (dał ponad tysiąc pięćset recitali w Stanach Zjednoczonych), był także kompozytorem (opera Manru, symfonia, koncerty), ale przede wszystkim jednym z ojców założycieli niepodległej Polski w 1918 roku. Jako premier i minister spraw zagranicznych młodego państwa polskiego w 1919 roku podpisał w imieniu Polski traktat wersalski.
Popularność w Stanach Zjednoczonych sprawiła, że był jednym z najlepiej opłacanych artystów swoich czasów. Majątek przeznaczył na cele humanitarne: pomoc polskim muzykom, fundusze dla weteranów, wsparcie dla sierot wojennych. Zmarł w Nowym Jorku w 1941 roku i został pochowany na cmentarzu w Arlington; jego prochy trafiły do Warszawy dopiero w 1992 roku, po upadku komunizmu. Jego słynny Polonez h-moll op. 10 pozostaje klasykiem polskiego repertuaru fortepianowego.
Karol Szymanowski (1882-1937): mistrz nowoczesności
Jeśli Chopin uosabia polski wiek XIX, to Karol Szymanowski jest główną postacią początku XX wieku. Urodzony na terenie dzisiejszej Ukrainy w rodzinie polskiej szlachty ziemiańskiej, dokonał własnej syntezy impresjonizmu francuskiego (Debussy, Ravel), orientalizmu (podróż na Sycylię i do Afryki Północnej w 1914 roku głęboko naznaczyła jego język), mistycyzmu symbolistycznego i, w ostatnim okresie, rytmów folklorystycznych górali tatrzańskich (Górale).
Jego główne dzieła (opera Król Roger z 1924 roku, III Symfonia „Pieśń o nocy” z 1916 roku, dwa koncerty skrzypcowe, balet Harnasie z 1935 roku) zostały na nowo odkryte w ostatnich dwudziestu latach przez dyrygentów z całego świata (Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen, Antoni Wit). Jako dyrektor Konserwatorium Warszawskiego w latach 1927-1929 wpłynął na całe pokolenie polskich kompozytorów. Jego dom w Zakopanem, Willa Atma, jest dziś muzeum i jednym z symbolicznych miejsc kultury w Tatrach.
Powojenna awangarda: Witold Lutosławski (1913-1994)
Wraz z Lutosławskim zaczyna się złoty wiek polskiej awangardy. Urodzony w Warszawie, wykształcony w stołecznym konserwatorium, przetrwał okupację, grając na fortepianie w konspiracyjnych kawiarniach (m.in. w duecie z Andrzejem Panufnikiem, kolejną wielką postacią). Jego kariera kompozytorska rozkwita po wojnie, ale właśnie w latach sześćdziesiątych wykuwa własny język: system zapisu w pionowych blokach, w którym wysokości dźwięków są ustalone, lecz dokładny rytm wejść każdego instrumentalisty pozostawiony jest wykonawcy. Ta technika, zwana aleatoryzmem kontrolowanym, pozwala mu uzyskiwać faktury dźwiękowe o niespotykanym bogactwie przy zachowaniu rygorystycznej architektonicznej kontroli.
Jego cztery symfonie, Koncert na orkiestrę (1954), Trzy poematy Henriego Michaux (1963) i Koncert wiolonczelowy (1970, napisany dla Rostropowicza) stanowią kręgosłup polskiego repertuaru orkiestrowego XX wieku. Trzymany z dala od władzy komunistycznej (jego I Symfonię oskarżono w latach pięćdziesiątych o formalizm), zyskał międzynarodową pozycję jednego z największych europejskich kompozytorów swojej epoki, sam dyrygując swoimi dziełami z najlepszymi orkiestrami świata.
Krzysztof Penderecki (1933-2020): od szoku awangardy do syntezy romantycznej
Urodzony w Dębicy, wykształcony w Konserwatorium Krakowskim, którego zostanie rektorem, Krzysztof Penderecki wstrząsnął światem muzycznym w 1960 roku ośmiominutową partyturą na pięćdziesiąt dwa instrumenty smyczkowe: Tren – Ofiarom Hiroszimy. To dzieło, doprowadzające do granic rozszerzone techniki gry (pizzicato col legno, uderzenia w pudło rezonansowe, glissanda w ćwierćtonach, klastry), stało się jednym z najbardziej gwałtownych i porażających manifestów dźwiękowych XX wieku i natychmiast weszło do repertuaru wielkich orkiestr.
Jego Pasja według św. Łukasza (1966), opera Diabły z Loudun (1969), Polskie Requiem (1980-1984, dedykowane Solidarności) wyznaczają etapy monumentalnej kariery. Od lat osiemdziesiątych Penderecki dokonuje zwrotu neoromantycznego, który zbliża go do Brucknera i Szostakowicza, o czym świadczy jego pięć późnych symfonii. Jego nazwisko dotarło też do szerokiej publiczności dzięki wykorzystaniu utworów w filmach takich jak Egzorcysta (Friedkin, 1973), Lśnienie (Kubrick, 1980) czy Wyspa tajemnic (Scorsese, 2010).
Henryk Górecki (1933-2010) i III Symfonia: nieoczekiwany światowy sukces
Rówieśnik Pendereckiego, Henryk Górecki pozostaje nierozerwalnie związany z najbardziej zdumiewającym fenomenem płytowym muzyki współczesnej. W 1992 roku, szesnaście lat po prawykonaniu, jego III Symfonia „pieśni żałosnych” zostaje nagrana przez amerykańską sopranistkę Dawn Upshaw z London Sinfonietta. Album sprzedaje się w ponad milionie egzemplarzy, zajmuje pierwsze miejsce na listach muzyki klasycznej w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii, a nawet szóste miejsce na brytyjskiej liście popowej: przypadek wyjątkowy jak na symfonię muzyki poważnej.
Dzieło, napisane w 1976 roku w pełnym nurcie „nowej prostoty”, charakteryzującej wówczas religijny i minimalistyczny zwrot awangardy Europy Środkowej (Pärt, Tavener), opiera się na trzech wolnych częściach osnutych na tekstach o macierzyńskim bólu, w tym na napisie wyrytym przez osiemnastoletnią więźniarkę na ścianie celi gestapo w Zakopanem w 1944 roku. Górecki skomponował wiele innych znakomitych utworów (Beatus vir z 1979 roku, I Kwartet smyczkowy „Already it is dusk”, niedokończoną operę Sant’Adalbert), ale to właśnie III Symfonia pozostaje, dwadzieścia pięć lat po nagraniu Upshaw, planetarną twarzą współczesnej muzyki polskiej.
Polski jazz: Krzysztof Komeda (1931-1969), dusza kina Polańskiego
Z wykształcenia lekarz laryngolog, Krzysztof Trzciński, zwany Komedą, jest jedną z najbardziej poetyckich postaci polskiego jazzu powojennego. Jego album Astigmatic (1965), nagrany w kwartecie, jest regularnie wymieniany wśród dziesięciu największych płyt jazzu europejskiego wszech czasów. Ale to spotkanie z młodym polskim reżyserem Romanem Polańskim uczyniło z niego światową legendę: skomponował muzykę do filmów Nóż w wodzie (1962), Nieustraszeni pogromcy wampirów (1967), Matnia (1966), a przede wszystkim Dziecko Rosemary (1968), którego główna kołysanka stała się ikoniczna.
Zmarły tragicznie w Los Angeles w 1969 roku, w wieku zaledwie trzydziestu siedmiu lat, Komeda otworzył drogę całemu pokoleniu polskich jazzmanów (Tomasz Stańko, jego trębacz na Astigmatic, Michał Urbaniak, Adam Makowicz, dziś Leszek Możdżer), którzy uczynili z Polski jedną z twierdz europejskiego jazzu, celebrowanego na warszawskim festiwalu Jazz Jamboree. Jego wpływ słychać również na festiwalu Szalone Dni Muzyki w Warszawie, który regularnie programuje hołdy dla jego twórczości.
Polska muzyka filmowa nagradzana Oscarami: Kilar, Preisner, Kaczmarek
Polska tradycja muzyki filmowej należy do najbogatszych w Europie. Wyróżniają się trzy nazwiska. Wojciech Kilar (1932-2013), uczeń Nadii Boulanger w Paryżu, dzielił karierę między muzykę poważną (Krzesany z 1974 roku, dzieło orkiestrowe inspirowane góralszczyzną) a ponad sto pięćdziesiąt ścieżek dźwiękowych: Pianista (Polański, 2002), Drakula (Coppola, 1992), Śmierć i dziewczyna (Polański, 1994), a także film Krzysztofa Zanussiego, zatytułowany po francusku „La Mort dans la peau d’un voisin”. Jego partyturę do Drakuli powszechnie chwalono za siłę wyrazu.
Zbigniew Preisner (ur. 1955) jest nierozłącznie związany z trylogią Trzy kolory Krzysztofa Kieślowskiego (Niebieski z 1993 roku, Biały z 1994 roku, Czerwony z 1994 roku) oraz z Podwójnym życiem Weroniki (1991). Jego śpiewna kompozycja, naznaczona głosem sopranistki Elżbiety Towarnickiej, którą często angażuje, głęboko wpłynęła na muzykę filmową ostatnich trzydziestu lat. Jego Requiem dla mojego przyjaciela (1998), dedykowane przedwcześnie zmarłemu Kieślowskiemu, stało się sukcesem sal koncertowych.
Jan A.P. Kaczmarek (1953-2024) zdobył w 2005 roku Oscara za najlepszą muzykę filmową do Marzyciela (Marc Forster), co było międzynarodowym uwieńczeniem kariery rozpoczętej w Nowym Jorku w latach osiemdziesiątych. Jego partytury do Total Eclipse (Holland, 1995), Niewiernej (Lyne, 2002), a ostatnio W ciemności (Holland, 2011) potwierdzają niezwykłą gęstość polskiej szkoły muzyki filmowej, będącej m.in. owocem promieniowania Szkoły Filmowej w Łodzi.
Współcześni: Paweł Mykietyn, Hanna Kulenty i nowe pokolenie
Żywa polska szkoła pozostaje jedną z najdynamiczniejszych w Europie. Paweł Mykietyn (ur. 1971), uczeń Włodzimierza Kotońskiego w Konserwatorium Warszawskim, wybił się na najważniejszego kompozytora teatru lirycznego swojego pokolenia, z operami (Burza według Szekspira, 2018) i utworami orkiestrowymi granymi przez czołowe orkiestry europejskie. Jego muzyka łączy rygor strukturalny odziedziczony po Lutosławskim z wrażliwością dramatyczną, przypominającą Berga.
Hanna Kulenty (ur. 1961) komponuje muzykę organiczną, opartą na krzywych energetycznych i ruchomych polach harmonicznych. Mieszkająca na przemian w Warszawie i Arnhem w Holandii, napisała pięć koncertów fortepianowych i liczne utwory na zespoły, z których kilka wykonał po raz pierwszy Ensemble intercontemporain w Paryżu. Obok Mykietyna i Kulenty warto wymienić także Agatę Zubel (ur. 1978), kompozytorkę i śpiewaczkę o podwójnej karierze, oraz Pawła Szymańskiego (ur. 1954), którego język „surrealizmu muzycznego”, oparty na rozbitych odniesieniach barokowych, zbliża go do Schnittkego.
Te współczesne głosy są regularnie programowane przez wielkie polskie i francuskie instytucje kulturalne, w tym paryskie centrum „Kultura”, od czterech dekad ważny przekaźnik polskiej twórczości we Francji.
Gdzie słuchać polskiej muzyki w 2026 roku
Cztery nieodzowne wydarzenia porządkują polski sezon muzyczny. Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Fryderyka Chopina w Warszawie odbywa się co pięć lat jesienią (kolejna edycja jest zapowiedziana na październik 2026 roku, poprzedzona eliminacjami w kwietniu). Przez trzy tygodnie gromadzi w sali Filharmonii Narodowej najwybitniejszych pianistów poniżej trzydziestego roku życia. Festiwal Warszawska Jesień, założony w 1956 roku, poświęcony jest muzyce współczesnej i pozostaje jednym z najstarszych festiwali nowej twórczości na świecie.
Festiwal Beethovenowski w Warszawie, założony przez Elżbietę Penderecką, proponuje co wiosnę rozbudowany program łączący orkiestry symfoniczne i solistów z całego świata. Wreszcie Wratislavia Cantans we Wrocławiu stawia na muzykę wokalną i chóralną, od baroku po współczesność. W Paryżu polskiej muzyki słucha się głównie w Philharmonie de Paris, w Instytucie Polskim oraz na recitalach Société Chopin à Paris w Ogrodzie Luksemburskim od maja do lipca.
Aby rozszerzyć muzyczne doświadczenie o inne wymiary kultury polskiej, można odwiedzić Centrum Nauki Kopernik w Warszawie, poświęcić czas na poznanie języka polskiego i jego brzmień, które ożywiły liryzm Moniuszki i Góreckiego, albo przyjrzeć się codzienności dłuższego pobytu w kraju dzięki naszemu przewodnikowi po życiu w Polsce. Muzykę rozjaśnia też sztuka ludowa i dziedzictwo, z których Szymanowski i Górecki czerpali w swoich dziełach, oraz polskie rzemiosło, które przedłuża tę samą estetykę materii i pamięci.
Piętnaście nazwisk do zapamiętania: podsumowanie
Na zakończenie tego przeglądu oto piętnastu wymienionych kompozytorów, uszeregowanych chronologicznie według daty urodzenia, którzy tworzą kręgosłup polskiego dziedzictwa muzycznego: Karol Kurpiński (1785-1857), Fryderyk Chopin (1810-1849), Stanisław Moniuszko (1819-1872), Henryk Wieniawski (1835-1880), Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), Karol Szymanowski (1882-1937), Witold Lutosławski (1913-1994), Wojciech Kilar (1932-2013), Krzysztof Penderecki (1933-2020), Henryk Górecki (1933-2010), Krzysztof Komeda (1931-1969), Jan A.P. Kaczmarek (1953-2024), Paweł Szymański (ur. 1954), Zbigniew Preisner (ur. 1955), Paweł Mykietyn (ur. 1971). Do tych piętnastu głównych postaci dołączają jak konstelacja Andrzej Panufnik, Tadeusz Baird, Hanna Kulenty i Agata Zubel, których nazwiska również zasługują na miejsce w każdej godnej tej nazwy polskiej płytotece.
Warto zapamiętać
- Trzy stulecia, trzy szczyty: Chopin (romantyczny XIX wiek), Szymanowski (nowoczesność początku XX wieku), Lutosławski, Penderecki i Górecki (awangarda drugiej połowy XX wieku).
- Muzyka filmowa nagradzana Oscarami: Kilar, Preisner i Kaczmarek tworzą polską szkołę siódmej sztuki, której głównymi kinowymi przekaźnikami byli Polański i Kieślowski.
- Jazz uznany na całym świecie: Komeda i album Astigmatic (1965) położyły fundamenty pod współczesny jazz polski, jeden z najżywszych w Europie.
- Wielki konkurs co pięć lat: Konkurs Chopinowski w Warszawie pozostaje światowym wydarzeniem pianistycznym, następna edycja jesienią 2026 roku.
- Żywa szkoła współczesna: Mykietyn, Kulenty, Zubel i Szymański podtrzymują i odnawiają polską tradycję kompozytorską w XXI wieku.
Współcześni polscy kompozytorzy do odkrycia w 2026 roku: Zbigniew Preisner, Paweł Mykietyn, Andrzej Panufnik
Powyższy artykuł wspomina już o Zbigniewie Preisnerze i Pawle Mykietynie w częściach poświęconych muzyce filmowej i pokoleniu współczesnemu. Ich znaczenie jest jednak tak duże, że zasługują na szerszy portret, do którego dodamy dwa nazwiska często pomijane w przeglądach frankofońskich: Andrzeja Panufnika i Martę Ptaszyńską.
Zbigniew Preisner (ur. 1955) jest, obok Kilara, najbardziej znanym szerokiej międzynarodowej publiczności polskim kompozytorem, dzięki bliskiej współpracy z reżyserem Krzysztofem Kieślowskim. Preisner nie odebrał klasycznego akademickiego wykształcenia muzycznego, jest w dużej mierze samoukiem, co pozwoliło mu wypracować język od razu rozpoznawalny, pośredni między liryczną tradycją romantyczną, muzyką minimalistyczną i piosenką z tekstem. Spotkanie z Kieślowskim w połowie lat osiemdziesiątych dało początek serii ścieżek dźwiękowych, które na nowo określiły relację obrazu i muzyki w kinie europejskim. Podwójne życie Weroniki (1991) z zawieszonym kobiecym głosem na tle smyczków, Niebieski (1993) z wyimaginowanym koncertem fletowym skomponowanym in dextra dla postaci Julie, Czerwony (1994) z głównym tematem powracającym jak leitmotiv duszy: to partytury, które naznaczyły całe pokolenie kinomanów i melomanów. Po przedwczesnej śmierci Kieślowskiego w 1996 roku Preisner dedykuje mu swoje Requiem dla mojego przyjaciela, utwór koncertowy, który stał się wielkim sukcesem programowym w europejskich salach koncertowych. Jego medytacyjny styl, zamiłowanie do głosów solowych (zwłaszcza sopranistki Elżbiety Towarnickiej, jego odwiecznej współpracowniczki) i powolne, otulające harmonie zapewniają mu uznanie daleko poza kinem.
Paweł Mykietyn (ur. 1971) reprezentuje najbardziej intelektualnie wymagające oblicze współczesnej kompozycji polskiej. Wykształcony w Konserwatorium Warszawskim w tradycji Lutosławskiego i awangardy Szkoły Warszawskiej, zbudował język, który godzi rygor strukturalny odziedziczony po serializmie z bardzo rozwiniętą wrażliwością dramatyczną i teatralną. Jego opera Burza według Szekspira (2018), wystawiona po raz pierwszy w Teatrze Wielkim w Warszawie, została przyjęta przez międzynarodową krytykę jako jedna z najważniejszych polskich partytur operowych od czasów Pendereckiego. Muzyk wszechstronny, Mykietyn komponuje też znakomitą muzykę filmową, zwłaszcza dla reżyserki Doroty Kędzierzawskiej (Nic, Ptaki śpiewają w Kigali), co pozwala mu badać granicę między muzyką poważną a natychmiastową emocją. W 2026 roku jest jednym z najczęściej programowanych żyjących polskich kompozytorów na europejskich festiwalach muzyki współczesnej.
Andrzej Panufnik (1914-1991) to postać zbyt mało znana we Francji, choć zajmuje pierwszoplanowe miejsce w historii kompozycji XX wieku. Urodzony w Warszawie, wykształcony w stołecznym konserwatorium i w Wiedniu, jest jednym z nielicznych kompozytorów, którzy przetrwali nazistowską okupację Warszawy, grając w konspiracyjnych kawiarniach, u boku Lutosławskiego, z którym tworzył legendarny duet. W 1954 roku, wobec nacisków reżimu komunistycznego narzucającego mu socrealizm, Panufnik wyemigrował do Wielkiej Brytanii, a jego ojczyzna wybaczyła mu ten exodus dopiero po upadku komunizmu. W Anglii rozwinął twórczość orkiestrową o wyjątkowej spójności formalnej: dziesięć symfonii, koncerty, muzyka sakralna, w tym Arbor Cosmica (1983) na smyczki i dwanaście rogów, inspirowana naturalnymi formami geometrycznymi. Jego język, oparty na prostych komórkach interwałowych rozwijanych z rygorystyczną logiką architektoniczną, jest dziś uznawany za jeden z najoryginalniejszych głosów europejskiej nowoczesności muzycznej. Otrzymał obywatelstwo brytyjskie i zakończył życie w Londynie, ale pozostał głęboko polski swoimi korzeniami muzycznymi i duchowymi.
Wojciech Kilar (1932-2013) także zasługuje na kilka dodatkowych linijek. Jego partytura do Drakuli Francisa Forda Coppoli (1992), jednego z najczęściej oglądanych filmów roku, przyniosła mu nagłą światową sławę. Ta ścieżka dźwiękowa, z masywnymi chórami, groźnymi blachami i natarczywymi smyczkami, jest mistrzowskim przykładem tego, jak muzyka poważna może dotrzeć do bardzo szerokiej publiczności, niczego nie poświęcając ze swoich wymagań. Kilar był zresztą cenionym kompozytorem koncertowym, autorem Krzesanego (1974), orkiestrowego fresku inspirowanego muzyką górali tatrzańskich, które pozostaje jednym z jego najczęściej granych dzieł koncertowych.
Wreszcie niesprawiedliwie byłoby pominąć milczeniem Martę Ptaszyńską (ur. 1943), perkusistkę i kompozytorkę, której międzynarodowa kariera jest godna uwagi pod wieloma względami. Pierwsza polska dyrygentka, która poprowadziła wielką orkiestrę symfoniczną, Ptaszyńska jest także jedną z najczęściej granych kompozytorek swojego pokolenia. Profesorka Uniwersytetu w Chicago od lat siedemdziesiątych, wykształciła pokolenia amerykańskich kompozytorów i rozwinęła język łączący polskie tradycje rytmiczne z wpływem amerykańskiej muzyki współczesnej (Carter, Crumb). Jej utwory na perkusję poszerzyły repertuar gatunku i figurują dziś w programach wielu międzynarodowych konserwatoriów. Na wzór tych artystów, a także tak jak polscy sportowcy, polscy artyści zdobyli rozgłos na arenie międzynarodowej i zanieśli kulturę polską na cztery krańce świata. Kino polskie nierzadko zresztą oddawało hołd tym kompozytorom: zajrzyj do naszego zestawienia dwudziestu polskich filmów, które trzeba zobaczyć, w którym ścieżki dźwiękowe Preisnera, Kilara i Mykietyna stanowią istotną część.
Najczęściej zadawane pytania
Który polski kompozytor jest najsłynniejszy?
Fryderyk Chopin (1810-1849) pozostaje zdecydowanie najsłynniejszym polskim kompozytorem na świecie. Jego twórczość, poświęcona niemal wyłącznie fortepianowi, obejmuje mazurki, polonezy, nokturny, ballady, scherza i etiudy, które stały się sercem repertuaru romantycznego. Jego wpływ sięga daleko poza Polskę, ale muzyka wciąż jest głęboko zakorzeniona w rytmach polskich tańców ludowych, które wyniósł do rangi sztuki wysokiej.
Czy Chopin był Polakiem, czy Francuzem?
Chopin urodził się w 1810 roku w Żelazowej Woli koło Warszawy, jako syn Francuza (Mikołaja Chopina), który wyemigrował do Polski, i Polki (Justyny Krzyżanowskiej). Wychował się i zdobył wykształcenie muzyczne w Polsce, po czym w 1831 roku osiadł w Paryżu, gdzie mieszkał aż do śmierci w 1849 roku. Kulturowo i muzycznie uważał się za Polaka, a jego serce, zgodnie z jego wolą, przewieziono do Warszawy. Ciało spoczywa na cmentarzu Père-Lachaise.
Kto skomponował muzykę do Pianisty Romana Polańskiego?
Ścieżkę dźwiękową do Pianisty (2002) Romana Polańskiego skomponował Wojciech Kilar (1932-2013), jeden z największych polskich kompozytorów muzyki filmowej. Film w dużej mierze opiera się także na muzyce Chopina, zwłaszcza na Balladzie g-moll nr 1, która staje się pełnoprawnym bohaterem opowieści. Kilar skomponował również muzykę do Drakuli (Coppola, 1992) i Śmierci i dziewczyny (1994), a Pianista należy do jego najsłynniejszych partytur.
Czym jest III Symfonia Góreckiego?
III Symfonia, zwana Symfonią pieśni żałosnych, skomponowana przez Henryka Mikołaja Góreckiego w 1976 roku, stała się nieoczekiwanym światowym fenomenem w 1992 roku, gdy nagranie z sopranistką Dawn Upshaw i London Sinfonietta sprzedało się w ponad milionie egzemplarzy. To medytacyjne dzieło w trzech wolnych częściach czerpie z tekstów związanych z cierpieniem matek, w tym z napisu wyrytego przez młodą więźniarkę na ścianie celi gestapo w Zakopanem w 1944 roku.
Czy są słynne polskie kompozytorki?
Tak. Hanna Kulenty (ur. 1961) należy do najczęściej wykonywanych za granicą współczesnych polskich kompozytorek, z utworami na orkiestrę, operę i muzykę kameralną. Maria Szymanowska (1789-1831), pianistka i kompozytorka z początku XIX wieku, uchodzi za pionierkę. Całkiem niedawno Agata Zubel zaznaczyła swoją obecność jako wyjątkowy głos współczesnej twórczości. Polska ma także długą tradycję muzykolożek i wykonawczyń, które wpisały się w repertuar.
Czym jest festiwal Chopin w Ogrodzie Luksemburskim?
Chopin w Ogrodzie Luksemburskim to bezpłatny festiwal letni, organizowany co roku w Paryżu przez Société Chopin à Paris. Odbywa się przy muszli koncertowej w Ogrodzie Luksemburskim, zazwyczaj od maja do lipca, i oferuje niedzielne recitale francuskich i międzynarodowych pianistów, wykonujących wyłącznie utwory Fryderyka Chopina. To jedno z najważniejszych chopinowskich spotkań w Paryżu.
Który polski kompozytor jest najsłynniejszy na świecie?
Bez wątpienia Fryderyk Chopin (1810-1849), którego dzieła fortepianowe (mazurki, nokturny, ballady, polonezy, etiudy) są znane i grane na wszystkich kontynentach. Jego nazwisko kojarzy się z Polską daleko poza kręgiem melomanów: widnieje na polskich banknotach, nosi je lotnisko w Warszawie, a jego serce spoczywa w filarze kościoła Świętego Krzyża w Warszawie, symbolu niezłomnego przywiązania do ojczyzny mimo dwudziestu lat wygnania w Paryżu.
Którzy polscy kompozytorzy wpłynęli na muzykę filmową?
Zbigniew Preisner jest najsłynniejszy dzięki współpracy z reżyserem Krzysztofem Kieślowskim (Podwójne życie Weroniki, trylogia Trzy kolory). Wojciech Kilar napisał niezapomniane partytury dla Coppoli (Drakula, 1992) i Polańskiego (Pianista, 2002). Jan A.P. Kaczmarek zdobył Oscara w 2005 roku za Marzyciela (Finding Neverland). Paweł Mykietyn komponuje także dla kina, zwłaszcza dla Doroty Kędzierzawskiej. Te cztery nazwiska tworzą rdzeń polskiej szkoły muzyki filmowej o wyjątkowym bogactwie.
Czy są żyjący polscy kompozytorzy uznani na arenie międzynarodowej?
Tak, kilku współczesnych polskich kompozytorów cieszy się międzynarodowym uznaniem. Zbigniew Preisner (ur. 1955) po sukcesach filmowych nadal komponuje utwory koncertowe. Paweł Mykietyn (ur. 1971) należy do najaktywniejszych kompozytorów operowych swojego pokolenia w Europie. Agata Zubel (ur. 1978) jest zarazem kompozytorką i śpiewaczką, regularnie obecną w programach największych festiwali muzyki współczesnej. Marta Ptaszyńska (ur. 1943) to postać nieodzowna w kompozycji na perkusję. Polska pozostaje jednym z najaktywniejszych krajów Europy w dziedzinie współczesnej twórczości muzycznej.